Architecture contemporaine et design

mobilier industriel et métal

2025-10-29T11:37:00.050+01:00

Aujourd'hui, je vous présente quelques acquisitions de mobilier industriel et mobilier métal qui ont pris place dans ma maison d'architecture contemporaine dont la création fut à l'origine de ce blog...
J'ai en effet rencontré un designer métal à Pau, Bertrand Masson, dont les oeuvres m'ont plu dès la première visite de son atelier, situé à Pau, "l'atelier palois". Il maîtrise l'art de la soudure et de la patine, il restaure mais surtout invente des objets oniriques tout en leur laissant une possible fonction, meuble de rangement, luminaire, chaise et fauteuil, beaucoup de pièces uniques.
(http://atelierpalois.fr/index.html)
Bertrand Masson travaille l'objet dans le respect des lignes initiales, pour en sublimer l'aspect. C'est cette démarche, qui s'inscrit dans l'esprit "upcycling" (rendre un objet restauré encore plus beau que lorsqu'il était neuf), qu'il a appliquée par exemple à un siège "tracteur" que je lui ai demandé de transformer pour en rendre le meilleur et à une chaise de bureau sur laquelle je suis assise actuellement !(voir ci-dessous).

Ci-dessus, un tableau que j'ai réalisé à partir de photos prises dans l'atelier, traitées à la manière du upcycling(!) et avec l'émotion ressentie devant l'artiste à la tâche...
Une autre de mes dernières acquisition à l'Atelier Palois, la chaise "Malaval", faite à partir d'éléments de cartouchière, pièce unique, que Bertrand Masson a restaurée :

Ma corbeille à dessein, une "Malaval" également, a trouvé sa place à côté d'un bureau :

Sur un autre bureau une lampe acquise chez un brocanteur de Pau, restaurée par Bertrand Masson :

Un livre génial retrace l'histoire de ce mobilier né avec la révolution industrielle et que l'on trouve maintenant dans la maison / il s'intitule tout simplement "Mobilier industriel", de Brigitte Murieux... elle nous parle du fer des mines de Bourgogne, de la différence entre tôle, fer et acier, des chaises du Luxembourg créées vers 1920, du dossier dit "queue de baleine" du tabouret "Nicolle", du design au bureau et de la lampe "Gras"...on nous donne aussi quelques repères d'expert pour reconnaitre les versions originales, comme la rotule est-elle taraudée, la tige filetée, le serrage assuré par une vis carrée, et des repères sur la datation des différentes productions, un livre INDISPENSABLE...

Villa Noailles, Hyères

2025-10-25T11:20:00.012+01:00

Je ne l'avais vue, jusqu'à ce jour d'août 2011, qu'en photo ! cette "petite maison intéressante à habiter" a été commandée par le comte Charles de Noailles à l'architecte français Robert Mallet-Stevens; elle est devenue un véritable paquebot de 1800 m² habitables, avec, outre les 15 chambres toutes équipées d'une terrasse et d'une salle de bain, une piscine, un squash et un salon de coiffure...

Dés mon arrivée, j'ai été surprise par les choix qui ont présidé à l'occupation du site, où ne se dévoile que peu à peu l'ensemble du bâti.

Edifiée entre 1924 et 1932, la villa est habitée à partir de janvier 1925, c'est une véritable mise en application des préceptes fondateurs du mouvement rationaliste, fonctionnalité, épuration des éléments décoratifs, toits plats, lumière, hygiène...

Des baies qui s'escamotent pour laisser entrer le soleil, des fenêtres à miroir qui renvoient la lumière, les horloges reliées à un système central...c'est une véritable maison héliotrope qui domine la baie d'Hyères.

J'ai donc parcouru l'intérieur à grand pas, curieuse des inventions pratiques et puis regardé les détails, ce faisant, la nouveauté de l'époque m'a renvoyée à mon désir actuel de nouveauté, de fonctionnalité et d'épure formelle...je me voyais échanger, négocier avec R. Mallet-Stevens le percement d'une ouverture , l'angle d'un meuble intégré au mur ou la couleur d'un vitrail !

En 1926, une importante piscine, réalisée partiellement en béton armé, est mise en chantier, sa façade sud, avec 4 baies monumentales qui s'escamotent dans le sol, donne au verre la prééminence sur le bâti (voir photo ci-dessus)...

Le nouveau salon rose, construit en 1927, intègre quelques petits "meubles"incorporés au mur et un plafond vitré dû à Louis Barillet, d'un effet étonnant (voir ci-dessus), inondant d'une belle lumière la pièce rose.
Les escaliers, dont certains sont extérieurs mais couverts, permettent d'accéder aux pièces annexées.

Toutes les pièces à vivre sont orientées plein sud tandis que les circulations (un peu trop rectilignes à mon goût) sont rejetées au nord.
Aucun décor, uniquement des volumes cubiques qui s'articulent et rythment des pleins et des vides, qui évitent la répétition...

Durant le chantier, le comte décide de supprimer le belvédère, et demande à l'architecte de dessiner un mur percé de grandes baies pour clôturer le parvis faisant face à la villa (voir plus haut).

Le jardin en terrasse qui s'étend en dessous du parvis est façonné au premier niveau en un damier de plantes, béton et gravier d'inspiration cubiste.

Il reste peu de chose du décor aménagé sur les conseils de Robert Mallet-Stevens. L'Exposition Internationale des Arts décoratifs industriels et modernes à Paris en 1925 se révèle une véritable source d'inspiration, ainsi un lit suspendu de Pierre Charreau, des tabourets de mme Klotz, des tissus de Sonia Delaunay sont directement transposés à Hyères...les ferronneries escamotables dessinés par Jean Prouvé pour la chambre de plein air abritent les meubles en tube métallique de Marcel Breuer.
(à toutes fins utiles je vous signale un livre exceptionnel sur le mobilier industriel de Brigitte Murieux édité chez Aubanel en 2009).

L'usine de Tramways à Pau, une restauration de "touche contemporaine"

2025-10-23T08:40:00.008+01:00

Tableaux numériques réalisation F.Harf mai 2011
Vous connaissez Pau ? Alors vous connaissez l'ancienne usine de production d'électricité des tramways. Depuis 1900 elle est la vigie des horizons palois !
Au pied de sa cheminée de briques rouge orangé, les bâtiments réhabilités par la Communauté d'agglomération Pau-Pyrénées abritent désormais les Archives et le Service Patrimoine de la Médiathèque intercommunale de Pau.
Le bâtiment des archives relié par une passerelle , construite en ossature métallique et verre, conduit à un autre bâtiment restauré où l'on trouve la direction de la culture. Les percements agrandis et ouverts sur la verdure, la qualité de traitement des vastes espaces de déambulation à l'intérieur en font un lieu en adéquation avec la charge de mémoire et d'émotion du patrimoine fragile et précieux qu'il abrite.
Site à consulter : archives.agglo-pau.fr et pireneas.fr

Un petit délire sur la ville

2025-10-22T23:39:00.004+01:00

Tableau numérique 70/50 cm imprimé sur support forex pelliculé

Le ROCHER de PALMER à CENON (Gironde)

2025-10-21T20:24:00.043+01:00

Le Rocher de Palmer, c'est 6700 m² dédiés aux cultures du monde à Cenon, ville de la banlieue bordelaise de 22900 habitants, il fallait oser !

Avec les communes voisines de Bassens, Floirac et Lormont, Cenon s'est en effet engagée depuis 2001 dans le Grand Projet des Villes (GPV) qui orchestre des opérations majeures de renouvellement urbain.

Le projet de Bernard Tschumi avec Véronique Descharrières du cabinet BTuA SARL a été retenu à l’issue du concours d’architectes lancé au printemps 2005.

La description qui suit est librement inspirée du site : http://www.tschumi.com/projects/36/#
Les photos prises le jour de l'inauguration, le 24 septembre 2010 ainsi que les montages sont de moi !
Les coques plissées des trois salles de spectacle sont tout simplement déposées sur le sol comme des rochers dans un parc. Liant les 3 volumes, la galerie de verre rythme l’arrivée du public depuis le bâtiment des dépendances vers l’obscurité et la concentration des salles. Une coque plissée en acier légèrement patinée et ajourée par endroits recouvrent les volumes géométriques. L’ensemble propose une promenade poétique entre paysage et spectacles, dans un parc protégé.

À l’intérieur des salles, tout est prévu pour répondre aux exigences des producteurs et leur apporter une grande fiabilité technique.
Les structures scénographiques sont intégrées aux charpentes d’acier prévues pour correspondre aux besoins du spectacle. La nuit, la lumière jaillie de l’intérieur des batiments.

Qui est Bernard Tschumi ?
A partir de l'aménagement du parc de la Vilette, concours qu'il a remporté en 1982, Bernard Tschumi investit la scène culturelle internationale et enchaîne les succès : le Centre national des arts contemporains du Fresnoy (un projet conçu comme une succession de boîtes dans une boîte, avec un toit englobant le complexe préexistant), l’École d’architecture de Marne-la-Vallée, la salle du Zénith de Rouen (comprenant principalement une salle de spectacles légèrement asymétrique – pour donner un aspect plus spontanné aux manifestations populaire – ainsi qu’un hall d’exposition doté de courbes généreuses et de mats haubanés. Il a conçu également le musée de l'Acropole à Athènes, tout en lumière...

Photo extraite du site : http://www.tschumi.com/projects/36/#

Un peu de pub !
Le Rocher de Palmer intégre une programmation majoritairement jazz et musiques du monde, tout en accordant une large place aux musiques électroniques, au hip-hop, et à toutes les formes de métissage musical innovant.
Toute la programmation culturelle sur le site http://lerocherdepalmer.fr/

La surprise ! le clarinettiste Louis Sclavis qui, je l'espère, sera programmé un jour prochain au Rocher de Palmer, promis, j'arrange ça !

Louis Sclavis - Napoli's Walls - live at Jazz a Vienne, 2002 // a film by Serge Bergli // Louis Sclavis - saxophone, bass clarinet / Mederic Collignon - vocals, trumpet / Vincent Courtois - cello / Hasse Poulsen - guitar // album available at ECM Records

I'entrepôt, la prison, l'hôpital...ou l'église avec, en écho, Les lamentations de GORECKI

2021-10-23T14:23:00.015+01:00

Eco-construction à la Communauté Emmaüs-Lescar-Pau

2021-04-22T18:09:00.004+01:00

Depuis juillet 2008, après quelques mois de réfléxion, l'atelier éco-construction a vu le jour. Géré par un responsable, il est ouvert à tous, même aux bénévoles venus de l'extérieur apprendre à bâtir dans le plus grand respect des matérieux locaux et de l'économie d'énergie.

Trois directions ont été données à la réhabilitation du village :
- Rénover les habitats existants comme les chalets de bois ou les différents bâtiments de la Communauté Emmaüs Lescar-Pau
- Proposer, créer et élever de nouveaux habitats pour remplacer les mobile homes sur un programme pluri-annuel
- Isoler progressivement les mobile homes qui ne seront pas remplacés dans l'imédiat.
En parallèle, en partenariat avec des artisans, des prototypes d'habitats qui pourront être modélisés sont étudiés.
Au final, la Communauté Emmaüs Lescar-Pau souhaite faire des économies d'énergie non négligeable. De même, elle désire augmenter les différents niveaux de confort des compagnons...

Un habitat "d'avant-garde" à Bordeaux

2021-03-22T00:40:00.014+01:00

C'est une opération unique de 121 logements, un tiers en accession, deux tiers en location, sur un terrain de 1,5 hectare, dans le quartier "Le Grand Parc", le long de l'avenue Emile Counord, à Bordeaux. Un week-end dans cette ville en transformation constante m'a permis de découvrir cette réalisation promue par l'organisme "DomoFrance, pleine d'audaces et d'attraits, .
Ce grand vaisseau gris est d'une esthétique moderne où la tôle, le métal, le béton, le bois et le polycarbonate font référence à une architecture industrielle qui n'est pas sans me déplaire.
A l'intérieur, sept îlots d'habitations individuelles, des espaces bien découpés, des jardins partagés, de la transparence avec profusion de vitrages et de vitrines, enfin des "cabanes" ou maisonnettes en bois garnies de stores jaune vif qui coiffent le tout et donnent l'impression de tutoyer le ciel...Les terrasses sont spacieuses et la vue large et aérée, parfois plongeante sur la terrasse du voisin, mais des plantations permettent d'y remédier.

Premières vues de l'extérieur, une longue façade grise qui constitue une sorte de peau de protection des logements et, au milieu du montage, une photo de l'entrée.

Les photos suivantes prises de l'intérieur des îlots témoignent de la grande qualité des traitements des espaces, des proximités réussies et des surprises visuelles provoquées...

Un jeune homme emprunte un passage en tôle galvanisée pour rentrer dans une de ces maisons, une petite poubelle à la main, je lui demande si'il est content de son logement, il m'invite, en guise de réponse à le visiter...
Au rez-de-chaussée, une petite entrée donne accès sur la gauche à un escalier et de l'autre côté introduit à la buanderie, la salle de bain et deux chambres. Au premier étage, un grand salon ouvert garni de grandes baies vitrées sur trois côtés avec, derrière, une chambre percée d'une belle fenêtre. L'escalier mène au dernier étage où l'on trouve une grande cuisine ouverte sur une terrasse de même taille (20 m² environ) équipée d'un salon de jardin aux couleurs de bonbons acidulés !
Les architectes ont donc opté pour un ordre inverse de la maison traditionnelle où l'on donne à voir d'abord les parties nobles de la maison...
Il est temps que je vous présente les sept équipes d'architectes associés(c'est une des innovations du projet) dans l'opération Diversités et qui ont, dans une première phase, travaillé avec les acteurs du projet et les habitants. Il s'agit de : Hondelatte-Laporte, Pradel, Champiot, Poggi-Dugravier, N.Franck, Bühler et Hernandez.
Selon les informations que j'ai trouvées dans un article récent du journal Sud-Ouest (16 juin), les Diversités ont été imaginées comme une opération-pilote en France dans le cadre du programme national "Maison individuelle, architecture, urbanité".
L'agence de l'architecte Bernard Bühler, cité ci-dessus, a réalisé, en 2010, un immeuble situé en face des Diversités, dénommé "Arc-en ciel, cette réalisation a reçu le prix d'architecture Agora de la ville de Bordeaux.
Voici un montage de photos de l'immeuble "Arc en ciel" que j'ai prises le même jour que celles des Diversités.

Shigeru Ban et le tube en carton

2021-03-21T23:50:00.023+01:00

Voici une nouvelle occasion de découvrir SHIGERU BAN et son Paper Tube Structure :

Le studio installé sur la terrasse au 6ème étage du Centre Pompidou à Paris.

De l’automne 2004 à l’été 2009, le studio temporaire de "Shigeru Ban Architects Europe" était installé au Centre Pompidou, sur la terrasse du 6e étage. Cette structure avait pour objet d’accueillir l’équipe du projet du Centre Pompidou-Metz pendant la durée des études.
Elle a été réalisée à partir du système innovant en tube de carton (*) (Paper Tube Structure) que Shigeru Ban a déjà utilisé pour la construction du Pavillon japonais de l’Exposition universelle de Hanovre par exemple (2000). D’une longueur de 34,50 mètres et d’une largeur de 4,40 mètres au sol, cet espace allongé était couvert d’une voûte.

Cette voûte était elle-même recouverte d’une membrane étanche en PTFE (Poly-Tetra-Fluoro Ethylene) – matière qui recouvrira la charpente du Centre Pompidou-Metz. Elle reposait sur un système de nervures cylindriques constituées de 29 arches espacées selon la trame du bâtiment.

Cette structure temporaire comportait différentes zones fonctionnelles : un hall de réception, une salle de réunion, une zone de travail, un espace-détente et un espace-atelier. La construction a eu lieu sous forme d’un atelier constitué d’étudiants internationaux durant l’été 2004.

Le centre Pompidou-Metz est un centre d'art situé à Metz, entre le parc de la Seille et la gare. Il est intégré dans l'opération de réaménagement du quartier de l'Amphithéâtre, à côté du parc de la Seille et du Palais omnisport Les Arènes.

SHIGERU BAN ET JEAN DE GASTINES sont les architectes du Centre Pompidou de Metz.

L’édifice se présente comme une vaste structure de plan hexagonal, traversée par trois galeries. Il se développe autour d’une flèche centrale qui culmine à 77 mètres, clin d’oeil à la date de création du Centre Pompidou : 1977... L’ensemble évoque un vaste chapiteau, entouré d’un parvis et d’un jardin.

La spécificité de l’architecture du Centre Pompidou-Metz tient, selon les commentateurs, aux volumes remarquables de sa grande nef, à la diversité des lieux d’exposition, qui alternent entre grands plateaux libres et espaces plus intimistes. Quant à moi, j'ai envie de toucher du regard, sans tarder, l'enveloppe blanche qui recouvre avec douceur ce nouvel (sans jeu de mot!) élément théâtral...

(*)Origine de la découverte du tube en carton par Shigeru Ban :« Pour mon premier travail, l'installation de l'Exposition Emilio Ambasz, j'ai conçu des cloisons sous la forme d'écrans de tissu. Ce tissu était livré en rouleaux sur des mandrins cylindriques en carton (tubes en carton). J'ai rapporté beaucoup de ces tubes à mon agence. Plus tard, alors que je travaillais à l'installation de l'exposition Alvar Aalto, il m'est venu à l'idée d'utiliser ces tubes brun clair qui étaient restés là. J'ai visité une usine de fabrication de mandrins en carton, j'ai découvert que ces produits à base de papier recyclé étaient bon marché et qu'ils pouvaient être fabriqués dans presque toutes les longueurs, tous les diamètres et toutes les épaisseurs. Je me suis demandé s'ils pouvaient servir de matériau structurel en architecture... »
Shigeru Ban, 1999)

En contrepoint, à voir et à lire les photos et les critiques d'un blogger passionné d'architecture et faisant, me semble-til, partie du sérail.
Voici l'adresse de son blog et de son billet (d'humeur !):
http://pergame-shelter.blogspot.com/search/label/De%20l%27architecture

Claude PARENT

2021-03-21T22:46:00.036+01:00

Article en cours
La Cité de l’architecture & du patrimoine lui consacre jusqu’au 2 mai 2010 la première présentation intégrale de son oeuvre, tant construite que graphique.
Nous sommes le 2 mai et je ne suis pas allée voir l'exposition...C'est avec un je ne sais quoi de vague à l'âme que je suis retournée sur le site de la Cité de l'Architecture et du Patrimoine où je trouve une fiche sèche sur son parcours :
"Claude Parent, architecte français né en 1923, Claude PARENT s’affirme comme le pionnier et le défenseur de l’architecture oblique. « Héros de la modernité », il obtient en 1979 le grand prix national de l’architecture. Professeur à l’école spéciale d’architecture (Paris) puis président de l’Académie d’Architecture, Claude Parent expérimente en permanence. Il réalise la maison de l’Iran à la Cité Universitaire de Paris, l’église Sainte-Bernadette du Banlay à Nevers et des maisons cultes telles la villa Drusch (Versailles) et la villa André Bloc (Cap d’Antibes). Membre de l’Académie des Beaux-Arts depuis 2005, Claude Parent s’est également illustré dans l’architecture des centres commerciaux et des centrales nucléaires (EDF). Architecte de l’oblique, il est aujourd’hui reconnu autant pour ses réalisations que pour ses réflexions graphiques et plastiques (plans, maquettes).

Pour me consoler, sur France Inter, ce dimanche, Stéphane Paoli avait invité Claude Parent en personne ! Le journaliste dit son étonnement du fait que, reconnu aujourd’hui par les jeunes générations, Claude Parent fut longtemps oublié, marginalisé dans une utopie qui fascine encore hors de nos frontières, en Amérique comme en Asie. Claude Parent parle d'architectes, Rem Koolhaas, Snohetta ou Zaha Hadid…dont le travail semble être influencé par ses idées dit-il avec simplicité.
Le nom de Jean Nouvel, qu'il a eu comme éléve, est prononcé ! regret, opportunité manquée mais pas d'accusation directe, quelle modestie...C'est pourtant Jean Nouvel qui a organisé l'exposition de la Cité de l'architecture et du patrimoine...
Il parle d'invention de matériaux nouveaux plus faciles à manier et de l'ordinateur qui simplifie les calculs. Il explique qu'il a commencé des études d'architecture dans trois écoles mais qu'il en est sorti à chaque fois pour la même raison : on ne répondait jamais à la question qu'il posait aux professeurs : pourquoi ? Une façon de remettre en cause la doxa, les certitudes sur lesquelles étaient assis ses professeurs...!

Claude Parent a revisité la notion d'espace, à partir de la Fonction Oblique. Avec Paul Virillo, il pensait que l'oblique pouvait changer les pratiques, les attitudes des habitants...on peut peut-être y voir un phantasme de disparition de la ville telle qu'elle était...il a aussi dénoncé la propriété du sol : "Malgré mes tendances, quand je pense à l'architecture et que j'écris sur l'architecture, je me dis toujours que la propriété du sol est une abomination. Tant qu'on aura pas trouvé le moyen de se libérer de ça, les architectes se tueront et ne trouveront pas la solution à la ville."
C'est dans cet objectif de changer les pratiques qu'avec l'écrivain et sculpteur André Barey, Claude Parent réfléchit sur la meilleure manière de provoquer la rencontre avec le public des Maisons de la culture, leur «objectif étant bien « de donner à ce public de nouvelles références, donc de développer un esprit critique ». Ils imaginent alors un programme global qui se caractérise par une multiplicité d’activités. Sur une période d’un à trois mois, selon les disponibilités des Maisons de la culture, ils proposent, autour d’une exposition de ses projets, des débats publics, des conférences, des projections de films et de diapositives, des démonstrations de gymnastique sur pans inclinés, la constitution de groupes de réflexion sur l’architecture et l’urbanisme, et la création d’un espace expérimental oblique à pratiquer.
Pour Claude Parent, les plasticiens participent à la compréhension de l’espace expérimental qui se veut « décodeur d’humains, un coup d’éponge pour cervelles encombrées […] un nettoyage pour les yeux-mensonges, une nouvelle rencontre avec le sol qui vous porte.Loin de n’être que promotionnelles, les actions culturelles menées par Claude Parent sont avant tout des relais grâce auxquels il peut envisager, à grande échelle, les enjeux d’une ville à l’oblique qu’il espère toujours construire.
Constitué de deux rampes inclinées, l’Instabilisateur pendulaire n° 1 ou IP1 devait s’élever à 10 m du sol sur le campus de l’université de Nanterre. Claude Parent et Paul Virilio avaient prévu d’y vivre un mois durant sous la surveillance de médecins, de sociologues et de psychologues. Les événements de mai 1968, période à laquelle l’expérience aurait dû avoir lieu, ne permettront pas aux deux « cobayes volontaires » de poursuivre l’aventure.
Voici comment Claude Parent vit l'oblique : « Penché, le corps intervient par une sensibilisation plus intense à la notion de gravité. Le poids de l'homme est exprimé sur une pente même en station immobile, car il faut mécaniquement réaliser un effort musculaire pour conserver son équilibre. Ni la station immobile, ni le mouvement ne sont neutres dans le cadre de la structure oblique, alors qu'ils le sont sur terrain horizontal. »...

Je voudrais maintenant, à l'occasion de cette page, vous faire découvrir le blog remarquable de David Liaudet : http://archipostcard.blogspot.com/
L'originalité des articles dont 63 écrits sur Claude Parent, est qu'ils sont conçus à partir d'anciennes ou récentes cartes postales qu'ils recherchent ou qu'on lui adresse...
Je me permets de citer quelques paragraphes consacrées à l'hôtel de Ville de Lillebonne en Seine Maritime (de Claude Parent) écrits avec les mots nécessaires à la compréhension d'une architecture aussi innovante :
..."Les vues aériennes permettent de lire les volumes, de comprendre un peu mieux comment les formes obtuses se rencontrent, jouant de basculements et de failles et donnant aux vues depuis le sol d'étonnantes accélérations de perspective soulevant ou écrasant à l'envi sol, murs et parvis...Ici nous sommes dans des failles habitées, et le bureau d'accueil s'offre soudain comme une place intérieure dégagée dans les éclats de l'ensemble. Car le vocabulaire ici est bien celui de la brisure, de la rupture d'une forme et de ses incisions. Rencontre de pointes.

L'ensemble, dans un caractère bien moins brutaliste, offre encore pourtant par sa géométrie un travail formel rude et dans certains matériaux et couleurs presque High-Tech. Mais le plus remarquable reste tout de même cet expressionnisme lié surtout aux orientations toujours contre-carrées des murs et des fuyantes déformant les fuites optiques. Il faut aussi dire que le bâtiment se sort très bien du dénivelé du terrain offrant dans la salle des mariages une ouverture sur la ville comme un balcon public".
Merci à David Liaudet pour ces explications.

Fernand Pouillon

2021-03-21T08:31:00.042+01:00

Le 8 janvier 2010, le cinéma d'art et d'essai de Pau, a programmé un film sur cet architecte mondialement connu, qui a marqué son époque malgré un parcours plein de revers. Ce film a été réalisé par Christian Meunier, il s'intitule tout simplement "Fernand Pouillon, le roman d'un architecte". Je ne pouvais pas laisser passer l'occasion qui m'est ainsi donnée d'en parler sur ce blog.
Je commencerai par vous parler d'une actualité encore récente, le soutien de Claude Parent et de centaines d'autres architectes, pour la sauvegarde de la station sanitaire de Marseille qui est menacée de destruction :

Claude PARENT : "La vie tumultueuse de Fernand Pouillon a fait de cet architecte exceptionnel un personnage de roman qui oblitère beaucoup trop et injustement son talent. Dans tous les domaines il a mené des combats violents pour l’architecture, afin d’en modifier les codes de l’époque et souvent aussi son manque d’imagination. Quand on visite mentalement ses constructions on découvre toujours un positionnement qui lui est propre, traitant chaque problème d’une façon particulière. Ainsi ce sont surtout les TRACES de Fernand Pouillon qu’il faut analyser, traces très visibles et significatives, que l’on relève tout au long de ses incur-
sions en Algérie, en France, en Iran, etc… Ce jeu de pistes révèle mieux qu’un livre la façon personnelle de l’artiste d’envisager l’architecture. En effacer une ou plusieurs serait malvenu, car cette action introduirait la confusion dans son travail. Alors pourquoi commencer cette destruction par la pierre sauvage de Marseille, peut-être la première et la plus modeste. Ne rompons pas ce cheminement qui a du sens, malgré des hauts et des bas chez cet architecte hors mesure". Paris, le 4 avril 2009.

En 1968, il publie, aux Editions du Seuil, Mémoires d'un architecte. Dans les années 60 Fernand Pouillon connaît en effet de sombres jours suite à une affaire de participation financière dans une société de promotion immobilière. Il effectuera un séjour en prison, il est ruiné et radié de l'ordre des architectes. Ce livre qu'il écrit lui donne l’occasion d’exprimer sa version des faits sur les évènements passés. Mais, je ne m'attache pas aux péripéties de sa vie foisonnante de rebondissements, d'énergie et de travail.
Ce que j'aime chez cet architecte, c'est qu'il sait parler du bien-être des habitants et son exigence de qualité des matériaux, son travail sur la verticalité et, côté personnalité, son non-conformisme, et son énergie. La seule construction que je connaisse est la résidence Jules Ferry à Montrouge, située à quelques centaines de mètres de la résidence du Stade Buffalo qui a été réalisée en même temps...

C'est un ensemble de 466 logements qui sont distribués autour de cinq espaces très différents, ce qui réduit la densité visuelle. Le travail sur les proportions en plan et en hauteur aboutit à une perception de la hauteur, bien différente de la hauteur réelle.
Jacques Lucan dans son ouvrage " Fernand Pouillon architecte " aux éditions Pavillon de l'Arsenal et Picard, 2003, parle d'une construction très complexe : "Les bandeaux filants à chaque hauteur d'étage, récurrents dans l'œuvre de Fernand Pouillon, créent des lignes fuyantes qui agrandissent l'espace. Ce principe est porté à son comble avec la mise en œuvre sur les immeubles R+7 d'un balcon filant au 5ème étage qui se raccorde visuellement à la corniche en débord des immeubles R+4. La véritable hauteur du bâti est ainsi masquée, et la lecture rapide et inconsciente de la hauteur d'immeubles n'est pas la réalité". Cet ensemble est bien entretenu, mais je n'ai pu l'admirer que de l'extérieur.

J'aimerais rencontrer, comme on rencontre une personne, le Conservatoire Jacques Ibert, construit à Marseille en 1987(Fernand Pouillon est rentré en France en 1984).
La pierre, le travail sur l'horizontalité et la verticalité, les cassures, les angles, tout me plait dans cette construction, excepté le traitement de l'entrée...

Cette page est en construction, sans jeu de mots, et elle restera indigente tant que je n'aurai pas vu, en Algérie, quelques-uns des bâtiments parmi plusieurs centaines réalisées, des hôtels, des complexes touristiques, des préfectures, des bureaux de postes, des cités universitaires...toute une aventure !.

Chaise Eames

2021-03-21T07:50:00.011+01:00

La chaise d'abord moulée en contre-plaqué de Charles, conçue en collaboration avec Eero Saarinen pour le musée de la conception organique d'art moderne, était un succès instantané. La LCW (chaise en bois de salon), avec ses formes arrondies, est un exemple de déclinaison à partir du modèle angulaire Bauhaus. Pendant la guerre ils ont été commissionnés par la marine pour produire les attelles moulées de contre-plaqué (une réussite phénoménale), les civières et les coquilles expérimentales de planeur. Leur chaise moulée de contre-plaqué est appelée "la chaise du siècle" par la critique Esther McCoy.

Chaise Eames présentée sur le site internet de Marie-Claire Maison

Chez moi, une chaise en bois courbé qui était vendue par les établissements
"Bron" de Lyon, dans les années soixante...j'aime imaginer qu'elle est de la même inspiration que celle de Eames ! Je l'ai chinée à Lyon dans les années 80.

Nouveautés maison

2013-03-21T17:21:00.005+01:00

Après un long silence sur les architectes que j'aime, leur parcours et leur sensibilité, voici que j'ai envie de vous présenter les modestes nouveautés acquises pour ma petite maison que je vous ai déjà présentée quelques dizaines d'articles plus bas sur ce blog !

Voici une chaise, qui sans être une création de Jacobsen, en est une pâle imitation, je l'ai prise pour telle ! Je vous la présente, puis celle de Jacobsen que je n'ai pu m'offrir...

Une autre acquisition récente, un tapis très graphique qui vient d'une usine de Dakar, Sénégal, en plastique hélas, ce qui déroge à mes principes écologiques, personne ne peut être parfait...
Le fauteuil tulipe, laqué noir, est une reproduction d'un fauteuil Saarinen, un architecte et designer que j'affectionne particulièrement et que je vous ai présenté dans ce blog.

(Vous trouverez la présentation complète de ma maison dans les sections 3, 4 et 5, chiffres repères à gauche de la page, avant mon profil)

Sindou, architecture de terre au Burkina Faso

2013-03-21T15:09:00.004+01:00

Présentation de quelques habitations et greniers du vieux village de Sindou et des villages alentour (voir mon blog : marouteauburkinafaso.blogspot.com). Les constructions sont de forme ronde ou rectangulaire. Elles peuvent être couvertes d'un toit de tôle (pour l'habitation, mais c'est un matériau d'importation, donc cher) ou de paille (toujours, dans le cas des greniers)...

Les cases des "campements" (sorte de gîtes) qui accueillent les touristes de passage sont construites de la même façon, avec des briques de terre crue, séchées au soleil...

Quelques constructions récentes, maisons à un étage et escalier extérieur, ou bâtiments administratifs, utilisent des matériaux plus coûteux, des briques cuites ou parpaings et béton armé pour les murs porteurs...

Autour de Boromo, petite ville au centre du Burkina Faso, l'Association "voûte nubienne" aide les maçons locaux à se former, à utiliser et à diffuser une technique de construction sans bois, uniquement à base de terre. Depuis 2000, des centaines de maçons ont construit de cette façon plus de 500 bâtiments (au Burkina Faso, Mali, Sénégal, Togo, Guinée Conakry, Côte d’Ivoire). C'est un habitat avec très peu d'ouvertures directes mais d'une fraîcheur exceptionnelle et d'une grande beauté de ligne. Les voûtes sont aussi utilisées comme des greniers pour les oignons, les mangues, le mil...
Des ouvriers burkinabés sont allés former leurs homologues à Ségou, au Mali, pays où l'association ouvrira un bureau. Et les réserves de main-d'oeuvre sont énormes. La mise en place de modules de formations spécifiques (gestion, comptabilité, lecture de plans, réalisations de devis, etc) afin d’augmenter les qualités entreprenariales des maçons formés et donc leurs capacités à transmettre cette formation est une réussite...Espérons que quelques maçons de Sindou pourront aussi bénéficier de cette formation.

Photos réalisées par AVN http://www.lavoutenubienne.org

La terre crue est un matériau de construction utilisé depuis plus de 10 000 ans. Il a servi à construire les premières villes connues...Plus du tiers de l'humanité vit dans ces constructions en terre crue, des villes entières construites en terre défient les siècles si elles sont entretenues régulièrement, mais, laissées sans soins, les maisons s'écroulent sans laisser aucune trace...

Le Musée du Quai Branly, réalisation architecturale et muséographique de Jean Nouvel

2013-03-20T20:35:00.006+01:00

La pluie et le vent donnent une tête penchée aux photos... Je vous ai déjà présenté, dans ce blog, l'architecte Jean Nouvel et le musée du Quai Branly mais je n'avais pas eu l'occasion de vous présenter mes photos, ma vision personnelle de ce lieu...

Aux volumes généreux et colorés de l'extérieur correspondent des vitrines gigantesques, des éclairages très présents et quelques écrins sombres et feutrées répartis sur le grand plateau des collections. Les perspectives sont très belles et le jeu des volumes intérieurs surprenants. Les objets présentés sont régulièrement remplacés par d'autres sortis des reserves. La réserve des instruments de musique est visible dans la grande tour de verre de 80 mètres qui traverse toute la hauteur du bâtiment.

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Pour terminer, pour le moment, voici une réflexion de Jean Nouvel sur l'architecture, très synthétique mais qui, je trouve, résume bien son travail, c'est à l'occasion d'un dialogue avec Wenders sur les liens entre cinéma et architecture : « l’architecture se vit, comme le cinéma, à travers une dimension de temps et de parcours. Penser, concevoir, lire une architecture s’exprime en terme de séquences. Edifier un bâtiment, c’est prévoir et vouloir des effets de contrastes et d’enchaînements liés à la succession des espaces que l’on traverse… »

Regards de côté

2013-03-20T20:30:00.000+01:00

Pas de passion pour l'architecture sans passion pour la photo...voici le résultat de mes premiers tâtonnements...
lien: http://harfregards.blogspot.com/
à bientôt, avec d'autres photos-montages d'architecture et d'autres sujets.

PHOTOS de vacances

2013-03-20T20:25:00.006+01:00

Avant de reprendre le fil de mes recherches, voici quelques photos de mes vacances ligneuses ! Merci de m'envoyer les vôtres !!!

http://picasaweb.google.fr/francoise.harf/Lignes?feat=directlink

J'ai creusé les lignes et la photo ; cela donne un nouveau blog : http://harfregards.blogspot.com/, c'est un essai ! je vais continuer avec des photos darchitecture africaine.

Architecture à OUAGADOUGOU, Burkina Faso

2013-03-20T13:30:00.004+01:00

Je reprends la main après avoir vagabondé un mois au Burkina Faso. En attendant de vous présenter le nouveau blog que j'écris sur le Burkina Faso (c'est fait, vous pouvez y accéder à partir de l'adresse suivante : http://marouteauburkinafaso.blogspot.com/), voici quelques exemples de l'architecture en oeuvre à Ouagadougou, la capitale. Les couleurs et les matériaux donnent une certaine homogénéité aux bâtiments d'inspiration variée et "futuriste"mais qui restent à échelle humaine. Les grattes-ciel apparaîtront sans doute dans une autre histoire de Ouaga en train de s'écrire...
Aujourd'hui, la ville connait une croissance exceptionnelle (125 000 habitants en 1974 à 1500 000 aujourd'hui). Centre d'affaire, de grandes sociétés et banques internationales, la ville s'est développée autour de son premier centre, la ville moderne, puis des villages et secteurs délimités alentour se sont construits au fur et à mesure de l'arrivée des immigrants, chaque secteur ou quartier étant recensé et connu par un numéro. Ces secteurs (une cinquantaine en tout) ont la particularité unique en Afrique de ne pas constituer de bidonvilles, ils sont d'une architecture uniformément basse, la plupart des maisons sont construites en matériaux locaux, d'autres utilisent le fer à beton et la tôle. La ville est donc très étalée : 22 000 ha au sol.

De nombreux investisseurs, des sociétés internationales pour la plupart , achètent des grands terrains dans la zone d'aménagement "Ouaga 2000", où se trouve la nouvelle résidence présidentielle qui donne le ton quant au luxe déployé...c'est un quartier excentré...
Les quelques photos qui suivent donnent un aperçu de la taille des immeubles de bureaux qui sont loin de ressembler à des grattes-ciel...Quant aux maisons individuelles construites récemment dans le quartier Ouaga 2000, elles sont immenses et construites le plus souvent en parpaing et béton armé, signe de la modernité. L'architecture en voute nubienne est très rare, un exemple est donné à voir aux touristes dans au Musée national. Pourtant, quelques architectes essaient de réhabiliter l'architecture en voute nubienne qui n'utilise que la terre et présente beaucoup d'avantage du point de vue isolation et confort. Dans Ouagadougou, la plupart des rues principales sont goudronnées mais beaucoup de rues secondaires restent en terre, une terre rouge qui, pendant la période sèche, couvrent tous les pores de votre peau dès que vous sortez. La bonne humeur et "la bienvenue" sont en partage malgré les difficultés que doit affronter la population au quotidien...

Je ne peux parler de l'architecture du Burkina Faso sans rappeler que l'architecture traditionnelle est le mode constructif le plus présent. Une incursion dans le village de Bani, situé aux portes du Sahel, donne une idée de l'architecture en terre, maisons et mosquée...

La page suivante présente un autre exemple d'architecture traditionnelle, les maisons Kassena, à Tiébélé...
Des liens à ne pas manquer :
un site : http://ouaga-ca-bouge.net/
un blog : http://axelderriks2.blogspot.com/
et mon blog : http://marouteauburkinafaso.blogspot.com/

architecture de terre, architecture Kassena

2013-03-20T13:10:00.006+01:00

A Tiébélé, j'ai découvert l'architecture Kasséna, du nom du pays et du nom de l'ethnie. Tiébélé est situé dans le sud du Burkina Faso près de la frontière ghanéenne. Nous avons pris la seule piste qui y mène à parir de Pô, capitale de la province. Pour visiter l'ensemble de la concession, un guide nous accompagne, nous payons 2000 francs CFA de droit d'entrée ; le ticket mentionne "sauvegarde du patrimoine culturel de Tiébélé", et j'ai appris qu'il existait un Festival annuel de la Culture et des Arts de Tiébélé (Faa-Can Dia). Le guide nous emmène dans un labyrinthe de ruelles et maisons "fortifiées" ; en effet, autrefois les Kassena étaient souvent attaqués, et l'entrée des maisons rondes est très basse, d’environ 50 cm. Avant d’entrer dans la chambre principale, il faut surmonter un mur de 50 cm qui se trouve immédiatement derrière l’entrée. Il permettait au guerrier Kassena de repousser l'envahisseur mais aussi les bêtes sauvages...Les cases sont peintes chaque année par les femmes en 3 couleurs, le noir, de la pierre volcanique, le rouge brun, de la terre, le blanc, du calcaire. Des symboles y figurent, l'objet le plus représenté, la calebasse, et les interdits...
L'intérieur de la maison est exigu, chaque ustensile a sa place , les nattes serrées sont suspendues au plafond, on se baisse et on se plie en quatre pour passer dans la cuisine avec son foyer et sa cheminée avec une construction de terre devant le foyer qui symbolise les jambes de la femme...

Dans un coin, une plateforme avec des mortiers et juste au-dessus, une ouverture dans le toit pour éclairer le travail qu'on recouvre en cas de pluie...Devant chaque maison, il y a une petite cour en légère pente avec un trou bouché par une balle de savon ; il s'agit d'un réservoir qui reçoit les eaux usées après les travaux ménagers ; quand il est plein, on soulève une petite dalle, on vide le réservoir et on répand son contenu dans les champs comme engrais !
Les cases en huit sont les toutes premières maisons Kassena. Ces maisons "mères" abritent l'esprit des ancêtres. C'est pour cette raison que les personnes âgées, considérées comme les plus initiées, habitent ces maisons. La grand-mère en particulier à pour rôle d'éduquer ses petits enfants aux coutumes et traditions ancestrales Kassena. Les jeunes hommes et les couples habitent dans les maisons rectangulaires.

Sur les toits-terrasses on sèche les céréales et on y dort pendant la saison sèche. Quand un garçon devient adulte, il se construit une nouvelle maison rectangulaire. Souvent, quand quelqu’un meurt, sa maison n’est pas réparée après les dégâts de la saison des pluies et la maison tombe alors en ruine. Ainsi, une concession Kassena se transforme toujours. Quand une fille devient adulte, elle s’installe dans la concession de son mari.

La cour royale du chef de Tiébélé tient un prestige particulier auprès des autres villages et des autres chefferies de la région. Le "Pourrou", ou le tas d'immondice, qui se trouve devant l'entrée de la case royale, est chez tous les Kassena un tas sacré à l'intérieur duquel sont enterrés les placentas de ceux qui sont nés dans la cour du chef. De fait, c'est à son sommet que "celui qui tape le tambour" vient annoncer les nouvelles aux habitants du village. Le "pourrou" de Tiébélé est particulièrement grand, il atteste que la cour royale existe depuis longtemps de même que la famille du chef est conséquente.

L'Association pour le Développement de Tiébélé a mobilisé la population de Tiébélé ; ils inventent ensemble des solutions pour la préservation de ce patrimoine vivant qui chaque année est rénové, réhabilité et même enrichi. En particulier, les peintures murales qui subissent une dégradation naturelle (pluie, vent, poussière...) doivent régulièrement être refaites.

Les deux dernières photos et celles qui suivent photos qui suivent sont extraites du site du gouvernement sur le pays Kassena :
http://www.kassena.gov.bf/textes/habitat_traditionnel.htm

J'ai découvert ce matin un blog réalisé par un photographe, Axel Derriks, qui m'intéresse beaucoup, par les thèmes, par le choix du noir et blanc, par ses cadrages... http://axelderriks2.blogspot.com/2008/04/architecture-kassena.html

SHIGERU BAN

2013-03-20T11:20:00.000+01:00

Pourquoi parler de Shigeru Ban après Jean Nouvel ?
Si les tubes en carton identifient l’architecture de S.B., celle-ci n’est pas réductible à l’utilisation d’un matériau ; ce qui est important, c'est qu'il sait percevoir et exprimer les conditions complexes et différentes de chacun de ses projets et en cela, il me semble que sa démarche se rapproche de celle de Jean Nouvel. Ces deux architectes ne partent pas d'une idée à priori du logement...
Mais revenons à l'abri d'urgence en carton ; il est vrai que cette invention a attiré mon attention sur cet architecte. Face aux structures en béton armé effondrées, il propose un matériau simple, peu coûteux et recyclable (ce faisant, il se positionne contre le gaspillage de l'industrie de la pâte à papier) ; il se libère ainsi des certitudes anciennes et du système actuel de construction et financement de l'habitat...Mais cette attitude n'est pas liée à l'évenement du séisme de Kobé, il semble qu'à chaque projet, Shigeru Ban interroge le processus de création architecturale et la place de l'architecture dans la société.
S.B. traite le problème de l’abri d’urgence à un niveau global, faisant appel à des financements du HCR, à des coopérations techniques avec des spécialistes de différents pays, au volontariat des habitants de Kobé.
Ainsi, on ne peut le définir seulement comme un acteur social, il est aussi un concepteur formaliste et un créateur de nouveaux matériaux. C’est aussi une éthique architecturale nouvelle qui le caractérise et qu’il développe dans tous les contextes où il intervient.

Exemple, la maison bambou réalisée en Chine en 2002 , c'est Shigeru Ban qui explique :
"Le site du projet de maison sur la montagne avec vue sur la Grande Muraille de Chine était plutôt sauvage que sophistiqué. Quand je suis arrivé sur ce site, j'ai imaginé une petite maison autour d'une cour assez grande, comme le style vernaculaire des maisons chinoises. En quittant le site, j'ai visité la ville de Beijing, où un certain nombre de fournisseurs de matériaux ouvrent des magasins. Peut-être parce que peu de structures de bois sont utilisés pour la construction en Chine aujourd'hui, les types de bois d'œuvre disponibles étaient limités, et je n'ai même pas pu trouver une structure en contre-plaqué ; mais une sorte de contre-plaqué a attiré mon regard par sa couleur sang. En regardant de plus près, j'ai découvert qu'il s'agissait de fines lamelles de bambou tissées en plaques. On m'a dit que ce contre-plaqué en bambou est utilisé généralement pour faire des cadres. Si le bambou peut être fait en contre-plaqué, j'ai pensé, qu'alors, il serait possible de stratifier des bandes de bambou pour des poutres. Jusqu'alors, je n'avais pas été très intéressé par le bambou, qui a été utilisé pendant de nombreuses années en Asie et en Amérique du Sud en tant que matériau de construction. La raison en est que l'unique architecte qui a réussi à utiliser le bambou comme matériau de structure primaire dans l'architecture contemporaine est l'architecte colombien Simon Velez, qui a coulé dans le béton des tubes de bambou comme élément de structure. C'est tout simplement parce que la nature du matériau - sa tendance à éclater quand il est sec, ses dimensions et sa petite épaisseur- en font un matériau difficile à utiliser pour la structure. Mais, par la stratification du bambou avec un certain type de colle sous environnement contrôlé, des matériaux stables de construction peuvent être fabriqués avec des bandes de bambou. Avec l'aide d'une usine locale de bambou, nous avons fabriqué un échantillon de poutre de bambou stratifié que nous avons porté à ébullition et avons testé sa flexibilité en suivant les standards fixés par le ministère de l'Agriculture, des Forêts et des Pêches du Japon. Le résultat de ces tests ont montré que le bambou avait une résistance située entre celle de l'acier et du bois. Autre fait à considérer dans la conception, c'était que la gestion du projet serait assurée par le client lui-même en raison de la distance du site du projet et son budget limité. Pour réduire le poids de la gestion de la construction , j'ai décidé de faire mes "modules maison" , un système de construction modulaire préfabriqué, que j'ai développé depuis quelques années, à partir de poutres laminé en bambou. Le feuilleté de bambou a été utilisé pour les unités de l'ossature et les poutres aussi bien pour l'intérieur que l'extérieur. Le concept était merveilleux. Mais, en réalité, nous n'avions aucune chance de trouver un fournisseur de matériel et des fabricants avec des compétences et les capacités de production nécessaires et il était impossible de fabriquer des pièces de façon artisanale avec des coûts raisonnables. En plus, avec les problèmes de communication tout au long du projet, la construction n'a pas été exécutée comme prévu, et l'achèvement a été retardé considérablement. Encore aujourd'hui, la porte d'entrée n'a pas été installée comme je l'avais conçue, et l'eau dans la cour n'a pas été installée comme prévu. Ce projet a rencontré de nombreux problèmes que je n'avais pas prévus, cependant, ce fut une expérience honorable, qui nous a permis d' explorer le grand potentiel de la Chine avec une croissance remarquable de Redstone Industrie. It was also a wonderful opportunity to begin the development of laminated bamboo, which I believe to have great prospect. Ce fut également une excellente occasion de commencer le développement du bambou stratifié qui, je crois, a un grand avenir."
(Extrait du site officiel de S.B. traduit par mes soins)

Pour les photos, je me réfère aussi à son site dans lequel Shigeru Ban présente ses réalisations et ses projets. Il a beaucoup construit, des usines, des stations de métro, des logements, des églises, des écoles, des musées dont un musée temporaire sur le logement à NewYork créé en 2005. (www.shigerubanarchitects.com/ )

Il a construit aussi en France et si on peut parler de minimalisme pour la réalisation du Nomadic Museum, on peut s'y référer aussi pour le Centre d'interprétation du Canal de Bourgogne, construit à Pouilly-en-Auxois. C'est la 1ère phase d'un grand complexe culturel dédié à l'histoire du «Canal de Bourgogne", qui comprend également un petit musée. Le petit musée est un lieu pour voir les expositions et organiser des activités pédagogiques. Son bâtiment est une boîte en verre transparent, ouvert sur le paysage environnant. Sa structure repose un plateau aux angles métalliques.

Cette autre réalisation, une maison en tubes de carton, témoigne aussi d'un esprit minimaliste. C'est le premier projet de logement durable qui a été accepté au Japon en 1995 . Une colonne en tubes de papier de 1,2 m de diamètre, située dans la galerie extérieure, contient les toilettes. Le "living" est équipée d'une cuisine -comptoir et de portes coulissantes.
La maison de thé ci-dessous a été crée à Londres en 2008.

En 2002, Arc en rêve, Centre d'architecture à Bordeaux, a consacré une grande exposition au travail de cet architecte japonais. Voici la présentation qui en était faite : "En s’appuyant sur une sélection de projets de référence et sur les projets récents, la scénographie, conçue par Michel Jacques, revisite l’œuvre de Shigeru Ban à travers les thèmes papier-carton, projets récents, maisons, mobiliers et architecture de l’urgence. Économie de moyens, économie de matière et recherche de nouvelles utilisations des matériaux existants donnent à l’architecture de Ban une extrême légèreté, un confort immédiat avec le souci constant de répondre au besoin essentiel d’habiter." Mais j'ai manqué cette expo !

La Sagaponac House, ci-contre, construite à Long Island en 2006, est fondée sur le plan de Ludwig Mies van der Rohe (la Brick Country House, 1924), réinterprétée selon le programme, la structure et le site. Elle me fait penser aussi à une maison de Frank Lloyd Wright que j'ai présentée dans une autre page de ce blog...

Quelques repères :
Shigeru Ban est né à Tokyo en 1957.Il fait ses études d’architecture à la Sci-Arc (Los Angeles) et à la Cooper Union (New York) avant de travailler dans l’agence de Arata Isozaki à Tokyo. En 1985, il ouvre sa propre agence d’architecture. Entre 1995 et 2000, il a été professeur-invité dans de nombreuses universités au Japon et aux États-Unis. En 1995, sa proposition d’abris préfabriqués pour le Rwanda est adoptée par les Nations Unies. Depuis 2001, il est professeur à l’université de Keio au Japon. Le travail de Shigeru Ban a été récompensé à plusieurs reprises, notamment avec le Grand Prix d’Architecture de Kansaï en 1996 et avec le prix du Meilleur Jeune Architecte du Japon en 1997 et le prix de l’Architecture mondiale en 2001 pour le pavillon du Japon à l’Exposition universelle 2000 à Hano.

Jean Nouvel et le Musée du Quai Branly

2013-03-13T14:42:00.000+01:00

Jean Nouvel est, à Paris, architecte de l'Institut du Monde Arabe avec Architecture Studio et architecte de la Fondation Cartier pour l'art contemporain. Site des Ateliers J.Nouvel : http://www.jeannouvel.com/

"C'est une collection de bâtiments plus qu'un bâtiment, un territoire avec un caractère affirmé vis-à-vis de la ville et un complément avec un nouveau jardin parisien et un nouveau grand musée pour Paris... On ne peut pas dire que les objets aient déterminés l’architecture. Il y a simplement une notion de caractère, de familiarité, de colorimétrie, de lumière et de pénombre. Toutes ces connotations déterminent un caractère qui n’est pas celui d’une architecture occidentale et qui pourraient être le déterminateur commun de toutes ces civilisations qui étaient souvent dans des forêts, des déserts et dans des lieux ruraux. Je voulais éviter qu’il ait ici un bâtiment occidental triomphant avec la technique occidentale bruyante, high-tech, qu'on ne voie que le bâtiment et que les objets soient dans un monde totalement exogène.)" Suite de l'interview de J.Nouvel par ARTE sur :
http://www.arte.tv/fr/Jean-Nouvel/1229072.html

Le bâtiment du quai Branly se compose de quatre bâtiments reliés par des passerelles et disposés sur un terrain de 39 000m². Epousant la courbure douce de la Seine au pied de la tour Eiffel, il est juché sur pilotis et prévu pour être -à terme- niché dans la verdure. L'ouvrage prend la forme d’une large passerelle au milieu des arbres, dissimulée par un jardin de 18 000 m2 que l'on doit au paysagiste Gilles Clément. Ce jardin est soustrait à la circulation du Quai Branly par une longue et haute paroi de verre sérigraphié.
L’ensemble architectural se développe sur cinq niveaux couronnés par une large terrasse, offrant une vue saisissante sur la tour Eiffel et Paris. À l’intérieur du musée, des parois de verre remplacent les vitrines : les effets de transparence et le fond naturel constitué par les arbres laissent toute liberté au regard.
La marque de fabrique de l’ouvrage reste pourtant la série de boîtes suspendues en façade nord, des "excroissances" colorées de taille variable, sortes de cabinets de curiosités, autant de salles d’exposition pour abriter des pièces particulièrement rares ou précieuses.
Autre originalité du bâtiment Branly: le mur végétal de Patrick Blanc. 800 m2 de façade sont recouverts par plus de 15 000 plantes.

Architecte japonais Sou Fujimoto

2011-11-11T15:45:00.000+01:00

A la manière d’un jeu de construction, les chevrons s’empilent et se décalent pour créer l’espace de vie de cette petite maison de week end japonaise. Un autre regard sur l’architecture bois.
Conçue par le studio d’architecture japonais Sou Fujimoto Architects, la Maison NGH est une petite maison de week end qui surplombe les berges de la rivière Kuma à Kumakura au Japon.
De forme cubique, (4 mètres de côté) elle est entièrement réalisée à partir d’un empilement de chevrons et de blocs de cèdre croisés et décalés. Un principe aussi simple qu’efficace.

De ces imbrications et découpes naissent les espaces intérieurs, coin repas, espace de repos, mezzanine ou rangements. Les plans verticaux et horizontaux se fractionnent et se décalent. Les différences de niveaux se multiplient. Entre les chevrons, des interstices aux formes irrégulières remplacent les portes et les fenêtres. Quelques décalages habiles permettent à l’habitant d’improviser ses assises, ses tables ou ses étagères où bon lui semble.

Sori Yanagi, Isamu Noguchi, l'esprit Mingei au Japon

2011-11-11T11:21:00.000+01:00

Une amie vient de me parler d'une exposition au Musée du quai Branly sur le mouvement Mingei, qui vient des mots minshû no kogei (objet de fabrication populaire). Le mouvement Mingei comprend une perspective esthétique, morale et formelle, qui trouve aujourd'hui ses échos dans les "formes originelles" de certains designers contemporains.
"L'objet mingei doit être modeste mais non de pacotille, bon marché mais non fragile. La malhonnêteté, la perversité, le luxe, voilà ce que les objets mingei doivent au plus haut poinr éviter : ce qui est naturel, sincère, sûr, simple, telles sont les caractéristiques du mingei." extrait d'un texte écrit en 1933 par Soetsu Yanagi, père de Sori Yanagi. Depuis mes recherches sur Charlotte Perriand, dont Sori Yanagi a été l'assistant, je continue mes investigations sur les architectes et les designers japonais ; avec Soetsu Yanagi, Sori Yanagi et Isamu Noguchi, je tiens un bout de la pelote...

Soetsu Yanagi (1889-1961)
En 1916, nourri de l'art occidental, Suetsu se tourna vers sa culture asiatique et partit pour la Corée où il est fasciné par les poteries paysannes de la dynastie Yi. En 1924, il était l'un des fondateurs du musée d'art et d'artisanat de Séoul. Au Japon, en 1936, il initia avec des amis une collection nationale d'objets usuels et écrivit les premières lignes du projet du musée japonais de l'artisanat. Il ne parlait pas d'art mais de l'expression du peuple avec son bagage de traditions et l'aisance due à des générations de savoir-faire. Le respect exceptionnel des japonais pour l'objet artisanal est stimulé par le culte de la cérémonie du thé, marqué par l'humilité, la frugalité et la sérénité.
Le musée Mingei, musée d'art populaire de Tokyo, musée du peuple pour le peuple, abrite beaucoup d'objets de la collection personnelle de Yanagi. Les céramiques, les objets en pierre, en bois, en paille, en bambou, en métal, les textiles ont été choisis d'après les critères spécifiés clairement par Yanagi comme règle d'or de la philosophie du mingei : anonymat, beauté naturelle du matériau utilisé, objets façonnés à partir d'une pratique de plusieurs générations d'artisans, produits en grande quantité et vendus à des prix économiques...Mais aujourd'hui, la fonction de l'objet artisanal change, son coût augmente, les objets ne naissent plus dans les classes populaires pour l'usage courant, ils doivent satisfaire la demande du marché citadin...Après la disparition de Yanagi, ses successeurs ont ressenti le besoin d'une philosophie plus adaptée à notre temps, les formes nouvelles, les individualités, les idées neuves apparaissent mais "enracinées" dans la tradition, pour certains des designers contemporains...

siège "Butterfly"
Né en 1915, Sori Yanagi concilie l'approche moderne avec ses enseignements fonctionnalistes et la sensibilité pratique qui lui a été transmise par Charlotte Perriand. A partir de 1948, il réalise des ensembles de grande diffusion, services à thé et à café en porcelaine blanche, séries de bols en acier inox. Il met au point des prototypes qui conservent la sensibilité du modelé en privilégiant la qualité du matériau et ses techniques de production et d'assemblage. Le siège "Butterfly" (conçu en 1953, réalisé en contreplaqué formé) deviendra une icône du design : facile à ranger, à stocker et monter. Pour Sori Yanagi, premier designer d'après-guerre , il s'agit de réfléchir au rapport que le XXe siècle a établi entre la redécouverte de certains arts traditionnels et l'évolution de l'art moderne international à travers le design. En 1977, Sori Yanagi devient directeur du Musée d’art populaire japonais de Tokyo.

Isamu Noguchi (1904-1988)
Dès 1928, Isamu Noguchi s'intéresse à la lumière comme matériau de la sculpture. Visitant les fabricants de lanternes traditionnelles à Gifu, il conçoit dans leur technique une série de lampes qui transforment son concept de sculpture-lumière en objet d'usage quotidien, bientôt mondialement reconnu. En 1927, il obtient une bourse (Guggenheim fondation) et part à Paris. Il travaille comme assistant de Brancusi chaque matin pendant 6 mois. Il rencontre Alexander Calder, Morris Kantor et Stuart Davis. Puis il travaille ses propres sculpture de pierre et bois dans son studio à Montparnasse.
Sa collection de lampes Akari, mot qui signifie en japonais "lumière et légèreté", associe la technique traditionnelle japonaise de la fabrication du papier de mûrier aux formes organiques de ses sculptures. Isamu Noguchi conçoit des céramiques, des verreries, des décors de scène, des espaces publics, urbains ou paysagers...
Dès 1950, il travaille avec Isamu Kenmochi ; ils conçoivent ensemble le Kashiwado. Ce fauteuil est un objet d'art qui est construit en plusieurs semaines. Les artisans coupent d'abord plusieurs blocs des racines d'un cèdre japonais, le Sugi. Les blocs sont sculptés et déposés les uns sur les autres avec une procèdure particulière puis il est poli et enduit. Ce fauteuil fait partie de la collection permanente de la collection d'art moderne du musée d'art de Philadelphie.

le Banraisha (foyer étudiant)

Tadao Ando, architecte japonais

2011-11-11T09:26:00.000+01:00

Tadao Ando est né à Ôsaka le 13 septembre 1941. Il apprend l'architecture, mais en autodidacte, ce qui est rarissime au Japon. Il achète des livres chez les bouquinistes et est fasciné par un ouvrage consacré à Le Corbusier. De 1963 à 1968, il voyage. Sans beaucoup d'argent, il prend les moyens de transport les moins chers, il marche beaucoup à pied. Il n'étudie pas l'architecture, il s'y plonge et tente de la percevoir physiquement. Il est également influencé par des personnalités comme Louis I. Kahn, Frank Lloyd Wright et par les écrits de spécialistes comme Sigfried Giedion et Kenneth Frampton. En 1969, il crée sa propre agence à Osaka et commence par construire de modestes maisons.

En 1975, il se fait connaître avec sa "Row House" , maison en bande, construite sur un terrain de 58 m². Masao Furuyama a écrit, dans un livre consacré à Tadao Ando, publié chez l'éditeur Taschen : "Ando a introduit là une boite en béton dans un de ces alignements de maisons en bois délabrées qui occupent les quartiers du centre d'Osaka et créé à l'intérieur un espace résolument autarcique. Ce faisant, il propose une intimité que les maisons de ville traditionnelle sont incapables d'offrir. La cour de la maison est un lieu caché, coupé du bruit de la cité. Elle ne s'ouvre que sur le ciel, c'est une fenêtre qui reçoit la lumière, le vent et la pluie pour que la nature puisse pénétrer le mental du visiteur. Pour Ando, l'architecture peut être une arme au service de la réforme sociale. A vingt ans, il se posait des questions angoissées sur le thème "architecture ou révolution" mais il a fini par choisir l'architecture. Il est convaincu que "changer l'habitat c'est changer la ville et réformer la société". La "Row House" est une expression de cette croyance."

En 1980, la maison Koshino a représenté un nouveau départ pour Ando... Je reprends le livre de Masao Furuyama : "Il a peu à peu ouvert la boite fermée pour faire en sorte que l'intérieur et l'extérieur communiquent par des ouvertures dans les murs, entre les murs et dans le toit."
J'ai trouvé ce qui m'attire dans cette architecture : ces boites juxtaposées de volumes différents sont apparemment des figures simples que l'architecte complexifie pour en faire un espace assemblé. C'est le jeu des emboitements et des circulations qui permet cette complexité. C'est aussi sans doute le jeu des lumières et des ombres dont parle Tadao Ando : “Les rayons de lumière, lesquels rentrent par les interstices entre les murs extérieurs et la structure, créent des variations de lumière et d’humeurs basées sur les saisons et l’heure de la journée.”

En 1987, Ando est nommé enseignant à l'université de Yale aux USA et en 1991, c'est la consécration au Japon, puisque, dépourvu de diplôme, il est nommé professeur titulaire à l'Université de Tokyo.

En juin 1995, Tadao Ando est le troisième Japonais à recevoir le "Pritzker Architecture Prize" sorte de Prix Nobel d'Architecture, deux ans après Fumihiko Maki récompensé en 1993. Profondément marqué par le tremblement de terre de Kobé, survenu en janvier de la même année, et qui avait touché en particulier le quartier de ses premières réalisations, il offre tout son prix aux orphelins de la ville. Il collecte des fonds pour améliorer la qualité de la reconstruction, car les morts ont surtout été relevés dans les habitations à bon marché de la ville, construites au mépris des règles de l'art.

Eglise sur l'eau

L'architecture de Ando est une synthèse de la spiritualité japonaise, de la modernité des techniques de construction et de l'utilisation de matériaux innovants.
Son architecture reste toujours à l'échelle des hommes qui vont y vivre et reste plus tournée sur les espaces intérieurs que sur l'aspect extérieur. Il utilise et se fond dans le paysage plutôt que de vouloir le transformer. Sensible à l'esprit des lieux, il privilégie les matériaux locaux, qui ont une histoire et sont rattachés au lieu où il bâtit.
Encore plus convaincant, Tadao Ando avec ses propres mots :"my basic stance with respect to what is to be expressed through architecture has remained unchanged. Whether it is a concrete row house of less than 50 square meters in floor area, a monumental cultural facility being planned in Abu Dhabi, or an urban restructuring project in progress in Tokyo that has the environment as its theme--what I always imagine is an architecture through which the wind blows, stirring people's emotions, an architecture that coexists with nature and purifies the spirit."

Oyamazaki museum à Kyoto

à droite Musée d'art moderne, Fort worth, Texas

Charlotte Perriand

2010-10-10T22:47:00.000+01:00

Sa carrière d'architecte-designer (1903-1999) démarre véritablement avec le mobilier métallique qu'elle crée pour son appartement-atelier de la place Saint-Sulpice et qu'elle présente au Salon d'Automne de 1927, « Bar sous le toit ». Forte de ce succès, elle pousse la porte de l'atelier d'architecture de Le Corbusier et Pierre Jeanneret, elle est engagée comme associée en 1928. Elle doit veiller à l'élaboration du programme « des casiers, des sièges et des tables » et assurer l'exécution du mobilier destiné à leurs réalisations. Le fauteuil Grand Confort adopte une structure légère en tube d'acier laqué enveloppant des coussins de cuir rembourrés par des plumes.
1936, Salon des arts ménagers.
Pour répondre aux contraintes économiques difficiles, Charlotte Perriand propose, en compagnie d'autres architectes, un mobilier accessible aux classes moyennes particulièrement frappées par la crise. Dans un espace ouvert sur une terrasse, elle crée une grande table en chêne massif pour les repas, des fauteuils pliables et empilables en tube (édités par Thonet) et présente des casiers de rangements métalliques de la maison Flambo.
En 1940 et 1941, elle est invitée au Japon et découvre les foyers d'artisanat dans les provinces grâce à l'aide de Soetsu Yanagi et de son jeune fils Sori qui l'accompagne. Après une exposition qu'elle intitule "Tradition, Sélection, Création", qui résume ses conceptions, elle doit quitter le Japon, à cause des événements politiques. En 1953, deuxième séjour au Japon et exposition collective avec Fernand Léger et Le Corbusier, intitulée Synthèse des Arts. Elle y présente sa chaise Ombre, empilable, en contre-plaqué cintré autour d'une grande table de bois massif, inspirée par le Bunraku (1). Elle présente aussi des prototypes mis à l'essai depuis 3 années, avant d'être industrialisés en grande série ; elle reprend l'esprit de ses projets de 1940 alors difficiles à mettre en oeuvre. (1) le bunraku (文楽) est un type de théâtre japonais datant du XVII e siècle;

Dans les années 60, pour le projet de station intégrée des Arcs, Charlotte Perriand rejoint l'équipe de l'Atelier d'Architecture en Montagne (AAM), et coordonne pendant près de vingt ans une équipe d'architectes, d'urbanistes, d'ingénieurs et de graphistes. Elle intervient tant au niveau de l'architecture que de l'urbanisme et de l'équipement des appartements.

Pierre Paulin, créateur de meubles

2009-09-09T20:02:00.000+01:00

Figure incontournable du design français pendant toute la moitié du XXe siècle, Pierre Paulin, né en 1927, se définit avant tout comme un héritier des modernes. Créateur de modes malgré lui, il a traversé les années sans que ses créations ne prennent une ride. Il est de ceux qui ont choisi la voie du fonctionnel, du durable, une recherche de matières, une esthétique lisse, courbe et colorée dont on ne se lasse pas. On retrouve dans son travail les influences du mobilier scandinave, et des productions américaines de Charles et Ray Eames ou encore Florence Knoll.

Mushroom

Entre les années 1960 et 1970, il développe pour Artifort une gamme de sièges faits de coques en bois moulés garnies de mousse Pirelli et habillées de housses préfabriquées en tissu extensible. Parmi ces sièges iconiques, on se souvient particulièrement de « Mushroom » en 1959, « Tongue Chair » en 1964, et du « Ribbon Chair » de 1965, (voir ci-dessus) distingué en 1969 par le Chicago Design Award.

Voici la transcription d'une vidéo enregistrée par ARTE que j’ai retrouvée sur le site : http://www.art-mode-design.com/category/design

« J’invente, j’aménage, je dessine, je ne crée pas. Le terme de designer avait du sens mais il a été tellement dévoyé qu’on en est très triste…Parmi les inventions qui me sont propres, il y a le concept de tissu élastique, je suis allé chez Artifort avec mon idée, je travaillais pour un marché international qui n’avait pas l’esprit vieillot français, j’ai pu faire les formes les plus libres que j’ai voulu, le premier siège est assez exemplaire, il ressemble à une coupelle biaisée, il y a de l’air dedans, c’est une structure en acier, des montants recouverts de mousse et un textile élastique par-dessus ; le seul tissu que j’ai trouvé à l’époque, c’était du tissu de maillot de bain, c’était tellement nouveau que l’éditeur Thonet France a accepté de le réaliser même en petites quantités ; j’utilisais ce textile pour ce qu’il était c’est à dire un coussinage d’une souplesse extraordinaire et vous auriez vu la tête des tapissiers traditionnels quand ils ont vu sortir ça, ils ont dit, là on est mort, et ils ont vraiment fait la gueule ; c’est la même chose que lorsqu’on s’est mis à mettre des amortisseurs aux voitures, il y a une sorte de souplesse, de confort…"
Les sièges de Pierre Paulin figurent parmi les collections du MoMA à New-York, du Fonds National d’Art Contemporain, du Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou, du Musée des Arts Décoratifs à Paris, du Victoria and Albert Museum à Londres…
Tongue chair
«Il fait partie de ceux qui ont tout redéfini: la méthode de fabrication, l'usage du meuble, la notion de confort. Il nous a ouvert la voie», estime Erwan Bouroullec (designer né en 1976).

Alvar Aalto architecte designer

2009-09-09T18:56:00.000+01:00

Alvar Aalto, 1898-1976.

Dès la fin des années 20, alors que le rationalisme moderniste de Walter Gropius, Le Corbusier, Marcel Breuer se développe, Alvar Aalto, architecte et designer, propose une vision plus proche de la nature et de l'humain : le travail du bois et des formes souples qui feront sa renommée internationale.

Né à Kuortane en Finlande, diplômé d'architecture en 1921, il mène dès 1927, avec sa femme architecte, Aino Marsio et avec Otto Korhonen, directeur technique d'une usine de mobilier en bois, des expérimentations sur le contreplaqué collé et courbé, matériau favori d’Aalto, délaissant le métal, élu des modernistes, trop froid selon lui. En 1933, ses créations, présentées à la boutique Fortnum et Mason de Londres, font sensation et connaissent un succès international. Pour répondre à l'afflux de commandes, Aalto fonde avec sa femmela société Artek, qui édite également ses luminaires et créations de verre.
En 1936, Aalto remporte le premier prix d'un concours lancé par Karhula, fabricant de verre finlandais, avec un modèle aux courbes inspirées du pantalon de cuir des Esquimaux : le vase Savoy, du nom du célèbre restaurant de Stockholm dont il a réalisé l’aménagement intérieur. Ces formes ondoyantes sont désormais signature d'Aalto.
Après la guerre, il construit la cité étudiante du MIT à Boston aux Etats-Unis, sa première réalisation architecturale à l'étranger. Jusqu'à sa mort en 1976, il réalise de nombreux projets architecturaux dont il conçoit, dans un projet global, l'aménagement intérieur et le mobilier.

Charles et Ray Eames designers

2009-09-09T15:34:00.000+01:00

Charles Eames (1907-78) and Ray Eames (1912-88).
Véritables icônes du Design organique, Charles et Ray Eames ont marqué les années 50 par des créations alliant technologie et esthétisme.
Le fauteuil n° 670 et son repose-pied, a été réalisé pour Herman Miller, marchand de meubles et commercialisé en 1956 à grande échelle . Il « a l'aspect chaud et l'attrait d'un gant de baseball usé de première base»disait de lui Charles Eames. ...Cet autre fauteuil d'appoint fait partie des sièges Plywood.

Les Plywood Group qui ont en commun des assises et dossiers identiques en bois lamellé collé déclinent plusieurs piètements en acier ou en bois. Le piètement du fauteuil LCW est lui, en bois lamellé collé.
En matière de création, Charles et Ray Eames eurent comme préoccupation majeure la réalisation d’un mobilier de qualité au meilleur prix, dédié au plus grand nombre.
En 1940, ils remportent avec Eero Saarinen (architecte-designer americano-finlandais, 1910-1961, voir article suivant), le concours «Organic Design in Home Furnishings» organisé par le Museum of Modern Art à New York. Six ans plus tard, ce musée consacre sa première rétrospective sur un designer, à Charles Eames.

Staff Members Frances Bishop and Robert Jacobsen with a papier-maché study and Ray with a plaster mold for La Chaise,1948.

Eero Saarinen architecte et designer

2009-09-09T05:13:00.000+01:00

Architecte et designer américano-finlandais. 1910-1961.
Eero Saarinen est le fils de l'architecte et premier président de l'Académie d'art de Cranbrook, Eliel Saarinen. Né en Finlande, il a émigré avec sa famille aux Etats-Unis en 1923. Eero Saarinen a initialement étudié la sculpture à l' Académie de la Grande Chaumiére à Paris (1929/30). Plus tard, il se tourne vers l'architecture, à l'université de Yale à New Haven, recevant un diplôme en 1934. Il reçoit alors une bourse d'études qui lui permet de voyager en Europe. A son retour, il enseigne à l'académie d'art de Cranbrook.
En 1937, il entame une collaboration avec Charles Eames. Ensemble, ils mirent au point des meubles avant-gardistes primés lors du concours "Organic design in Home Furnishing" organisé par le MoMA en 1940, avec entre autre un fauteuil à la structure en coque de bois contre-plaqué en 3D, recouverte de mousse et garnie d’étoffe. Ce prototype, à la forme encore un peu raide, s’épanouira dans les formes plus harmonieuses de la Womb Chair (1948), dessinée par Eero SAARINEN pour Knoll, qui sera son principal éditeur. Ensemble, ils dessinent une chaise phare, La Chaise, une méridienne en résine armée de fibre de verre sur un piétement métallique. Elle ne sera éditée qu’en 1991 par Vitra.

(voir la womb chair sur www.regencyshop.com)

En 1956, il lance chez Knoll la collection Tulip, véritable icône du mobilier organique des années 1950-1960. Avec un seul et unique pied central en fonte, cette collection offre une réponse harmonieuse à la liaison du piétement à la coque.

Il applique ce concept à ses tables, chaises, fauteuils, tabourets, cendriers et dessertes. Avec cet ensemble, il atteint un de ses objectifs : débarrasser la maison de tout ce "misérable fouillis de pieds".
Plus tard d’autres designers s’approprient ce style, tel Panton avec ses lampes Panthella (éditées depuis 1971 par Louis Poulsen). Au niveau architectural, l’un des ses plus importants projets est le Detroit and TWA Terminal de l’aéroport John F. Kennedy de New York. Entamé en 1956, il s’achève en 1962, un an après son décès. Il a travaillé dans le bureau d'architecture de son père jusqu'à la mort de celui-ci en 1950.
Sa conviction était que l'architecture doit englober l'environnement total, des paysages jusqu'aux batiments, les meubles et les objets décoratifs.

Les "gratte ciel" de Tony GARNIER à Villeurbanne (69)

2008-12-12T20:23:00.023+01:00

J'ai vécu 18 ans à Lyon et j'ai visité souvent le quartier des "Gratte ciel" de Villeurbanne pour des raisons familiales. Ce quartier m'a tout de suite intéressée comme le projet cohérent, urbanistique et social dont il procédait. C'est pourquoi j'ai envie d'en parler sur ce blog.
En effet, en 1930, la décision fut prise, par le maire de l’époque, Lazarre Goujon, socialiste, d'améliorer l'hygiène d'une déjà grande ville de banlieue, et de construire en hauteur avec de larges allées : ce fut l'origine des fameux "gratte-ciel", les premiers en France, offrant plus de 1 400 logements en centre-ville et accompagnés d'une maison du peuple, d'un palais du travail, d'un superbe hôtel de ville au beffroi de 65 m, d'un central téléphonique, et d'un chauffage urbain, (projet typique du « socialisme municipal »), oeuvres de Môrice Leroux, Tony Garnier et Robert Giroud.
L’opération commence avec un concours pour la construction du Palais du Travail. Le jury, présidé par Tony Garnier, choisit un jeune inconnu, Môrice Leroux.. Son bâtiment, simple, géométrique et fonctionnel, ressemble, selon les vœux du maire de l’époque, à un « véritable temple laïc destiné à l’éducation intégrale de la classe ouvrière.». Le maire veut « changer la ville pour changer la vie", (c'est encore le rêve de certains urbanistes)...
Les constructions hautes, avec leurs terrasses en gradin, apportaient aux habitants ce qui leur manquait le plus à l’époque : l’air, la lumière et le confort le plus moderne (vide-ordure, ascenseurs, centrale thermique pour distribuer le chauffage urbain). Des « traversières » relient tous les immeubles au second niveau. Paradoxalement, en 1940, beaucoup de logements étaient encore vides, les symboles de modernité de ces tours à la "Rockfeller Center" intimidaient les familles de culture ouvrière, les loyers étaient chers et peu de commerçants s'y installaient. Pourtant, cet ensemble architectural deviendra aussitôt une référence pour les architectes du monde entier.

à droite, Rockfeller Center

à gauche, une entrée des
Gratte ciel

Les 2 premières photos proviennent des recherches effectuées par David Liaudet ;
vous pouvez les retrouver sur son

blog :http://archipostcard.blogspot.com/

Aujourd'hui, après une opération de réhabilitation, isolation thermique de la façade et phonique du sol, cloisons et plafonds des parties communes, installation d'un sas dans le hall d'entrée et des interphones, mise aux normes des installations d'eau, de gaz et d'électricité, les gratte ciel restent très attractifs, la création du métro, qui dessert le quartier et au delà, n'y est pas étranger. Je n'ai hélas trouvé aucun document sur la gestion de ce parc de logements (loyers, répartition des charges collectives...) ni sur les stratégies de remplacement des locataires partants.

Gae Aulenti, architecte italienne, Marc Held, Danielle Quarante...

2008-12-12T05:01:00.054+01:00

http://artchitecture.skynetblogs.be/post/3236125/gae-aulenti Vous trouverez sur ce blog une présentation de cette femme architecte qui a obtenu son diplôme en 1954. En tant que designer, elle a influencé les designers qui ont commencé à exercer dans les années 1960, et a bousculé le style Scandinave. En 1970, elle travaille pour la chaîne de magasins Prisunic, tout comme D.Fayolle, A.Putman et M.Arnodin.

Ma contribution : Gae Aulenti et des jeunes collègues designers : Stefania Suma a écrit un livre sur Gae Aulenti qui vient de paraître aux éditions Actes Sud...dans ce livre, elle présente la réhabilitation en institution muséale de la gare d’Orsay à Paris (1980-1986), une des oeuvres qui ont contribué à la renommée de l’architecte. Son goût prononcé pour l'histoire de l'art et de la peinture se traduit dans ce principe de base : «Je préfère me nourrir de culture pour guider mon intuition. Le besoin de préserver la mémoire des lieux est aujourd'hui fondamental si l'on ne veut pas laisser l'architecture aux mains des promoteurs».

Au sujet de son travail pour Prisunic (qui lanca, en avril 1968, le catalogue Prisunic, avec un ensemble de pièces, fauteuils, tables, chaises, étagères, accessoires de décoration…), on citera à ses côtés les jeunes designers suivants : Térence Conrad, Marc Vaidis, Marc Held, Danielle Quarante :
Lampe Pipistrello 1963

Marc Held est architecte et designer. On a dit de son œuvre qu’elle allait de la petite cuillère à l’usine en passant par la maison, l’automobile, le vêtement de ski ou la porcelaine…
Marc Held consacre aujourd’hui l’essentiel de sa réflexion aux rapports de l’architecture populaire et de la modernité. Joignant la pratique à la théorie, il dessine et construit quelques rares maisons dont il conçoit l’architecture, les jardins et le mobilier, fidèle en cela à l’exemple de ses illustres prédécesseurs : Mies van de Rohe, Corbusier, Aalto, Jacobsen (ci-dessous, tabouret, escalier en inox, étagère cablée de Marc Held).

Danielle Quarante : "Eléments de design industriel" (édition épuisée !) : près d'un millier d'illustrations dans ce volume encyclopédique qui aborde le design dans le cadre de l'ensemble du processus de conception industriel, recense les facteurs rentrant en jeu et définit ses implications.
Danielle Quarante a réalisé le fauteuil ALBATROS, en résine de polyester armée de fibre de verre jaune, 1ère exposition au “Salon des Artistes Décorateurs en 1969 (Paris), mais aucune image de ce fauteuil n'est, à ma connaissance, disponible.

Françoise-Hélène Jourda, Jourda Architectes

2008-08-08T07:54:00.000+01:00

Dès ses débuts, Françoise-Hélène Jourda, diplômée en 1979 de l’École d'architecture de Lyon, prend conscience de l’importance de construire des bâtiments responsables et de qualité.
Associés depuis 1980, Françoise-Hélène Jourda et Gilles Perraudin développent dans leur production architecturale une stratégie de projet fondée sur la compréhension et le respect de l'environnement, lesquels procèdent de leur réflexion sur les matériaux et la maîtrise de l'énergie.
A l'Isle d'Abeau, réalisation de maisons en terre ; le maître d’ouvrage souhaitait réhabiliter un matériau et une technique de construction : le pisé. Les logements, groupés par deux, forment des blocs massifs de terre, isolés du sol par un soubassement en béton. La toiture-serre permet le captage solaire par une dalle accumulatrice. L’été un simple système de ventilateurs est régulé par un thermostat d’ambiance.
"La situation actuelle requiert un changement radical de nos habitudes, de nos modes de concevoir et de construire. Il s’agit bien d’une révolution culturelle qu’il faut enclencher de toute urgence, révolution à l’image de la révolution industrielle dont on connaît l’ampleur et les bouleversements qu’elle a engendrés, mais aussi les progrès qu’elle a apportés dans nos sociétés et nos niveaux de vie". Elle est co-signataire en 1996 de la "Charte européenne pour l’énergie solaire en matière d’architecture et d’urbanisme".

L'agence "Architectes Jourda" élabore aussi du mobilier pour la maison ou la ville, lampe, fauteuil, lampadaire, banc, abribus, bouche de métro...

Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal

2007-07-07T22:18:00.000+01:00

Le Grand Prix national de l'architecture 2008 a été attribué le 2 juillet aux architectes Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal, originaires de Bordeaux.
Depuis la maison Latapie, réalisée à Bordeaux-Floriac en 1993, et qui les a fait connaître, Lacaton & Vassal n'ont eu de cesse que d'offrir plus d'architecture au moindre coût, considérant l'espace comme un luxe devant être accessible à tous. On leur doit entre autres 14 maisons dans le programme de logement social de la Cité Manifeste, à Mulhouse (2005), le pôle universitaire de sciences de gestion, Université Montesquieu, à Bordeaux (2006) et l'école nationale supérieure d'architecture de Nantes (octobre 2008). http://www.lacatonvassal.com/
La démarche de Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal se fonde sur une préoccupation constante vis-à-vis de la qualité d’usage et sur "la certitude qu’il faut inventer de nouveaux espaces d’habitation, plus ouverts et plus spacieux ; les standard en logement, vieux d’un demi siècle et toujours en usage, ne répondant absolument plus aux besoins et au mode de vie contemporains".
VIDEO : http://www.youtube.com/watch?v=2E7AMA04fWg

Pierre Marsan

2007-07-07T20:59:00.000+01:00

Pierre Marsan est un architecte diplômé (DPLG) de l'Ecole d’Architecture de Toulouse (en 1985) avec un travail sur l’architecture bioclimatique en site urbain. De 1986 à 1993 il est architecte salarié de l’agence Camborde Lamaison à Pau. De 1993 à 1995 il séjourne sur l’île de Mayotte (Océan indien) et travaille sur la réalisation de différents projets en briques de terre séchées. En 2002 et jusqu'à 2006 il est architecte associé de SARL Lejeune et associés. En 2004 il suit une formation HQE. A partir d'octobre 2006, il s'installe comme archtecte libéral à Gelos (Pyrénées Atlantiques).

En 2005 il signe l'exposition « la maison 2Vignes » au Pavillon de l’Architecture de Pau dans le cadre des journées du patrimoine 2005.
Il se trouve que la maison de Vignes, créée par Pierre Marsan, est la première maison que j'ai faite construire en 2002 et que j'ai vendue 3 ans après parce que située trop loin de Pau...mais avec grand regret. Pierre Marsan est un architecte qui a confirmé mon goût (mon engouement) pour l'architecture.
http://www.architectes.org/portfolios/2006-10-10.0587059783/

Frank Lloyd Wright, une de mes références

2006-06-06T09:27:00.000+01:00

Frank Lloyd Wright est né le 8 juin 1867 aux USA, il meurt le 9 avril 1959. Wright perçoit les pièces d'un bâtiment comme des organes autonomes qui constituent un corps cohérent. Il pousse l'analogie avec le monde vivant jusqu'à prétendre que la construction doit représenter la croissance d'un être vivant. Cela explique la haine que Wright nourrissait vis-à-vis des grandes villes, notamment Chicago. Cette haine le poussa à ne construire que de très rares (mais notables) bâtiments dans des grandes agglomérations. Après avoir quitté le cabinet de l'architecte Sullivan, il ouvre son propre cabinet en 1893 à Chicago. Il réalise beaucoup de maisons particulières mais aussi des pavillons d'exposition, des édifices administratifs, des hôtels. En 1905, premier voyage au Japon, il commence à collectionner et faire le commerce d'estampes japonaises.

The Robie House, conçu par F.L. Wright pour son client, Frédéric C. Robie est une des plus importantes construction dans l'histoire de l'architecture américaine. Terminée en 1910, cette construction est uen vraie révolution en matière d'architecture domestique, préfigurant beaucoup des inovations qui apparaitront au cours du 20 ème siècle.
En 1922, il ouvre un bureau à Los Angeles. Il écrit dans la revue "The architectural Record" une série d'articles intitulée "in the cause of architecture". 1939, il est invité à Londres pour une série de conférences, ses textes sont publiés sous le titre de "an organic architecture". En 1940, une importante exposition rétrospective "The work of F. Llyod Wright" a lieu au Museum of Modern Art de New York.
Conçu en 1943, le musée Solomon R. Guggenheim de New York, était à peine terminé en 1959 à sa mort. Des murs légèrement inclinés vers l'extérieur et une rampe, pour remplacer les planchers plats traditionnels, véritable spirale ascendante, furent l'objet, à l'époque de beaucoup de critiques.

En 1953, il publie "the futur of architecture" puis "the naturel house". Il est invité à Bagdad en 1957 afin de concevoir un opéra, un centre culturel un musée...En 1958, il publie "the living city" qui revisite les idées développées déjà en 1932 de ville saine, belle et à l'échelle humaine, loin des villes polluées et bondées. Il pensait que la ville était vouée à disparaître...

Frank Lloyd Wright 2

2006-06-06T07:14:00.000+01:00

Wright essaie de tenir compte des contraintes que le climat continental de la région impose. Pour cela, il multiplie les différences de hauteur des plafonds de manière à éclairer et ventiler les pièces. Ces innovations passent par l'utilisation d'une combinaison de matériaux traditionnels (la pierre naturelle pour les façades et les sols) et d'autres nouveaux pour l'époque : béton, acier qui servent de support à des claires-voies, des toits débordants, des terrasses en encorbellement ou de grandes baies.

Wrigth avait pressenti que le béton, l'acier, les plaques de métal seraient une merveilleuse "boite à outils" pour l'architecte du XX ème siècle. L'acier associé au béton -béton armé-était le grand élément libérateur qui produirait une toute nouvelle architecture, le musée Guggenheim (voir article précédent) en est un bel exemple, c'est une construction aux encorbellements à béton armé.

Ralph Erskine, architecte anglo-suédois

2006-06-06T06:15:00.000+01:00

Ralph Erskine 1914-2005.
Architecte et urbaniste mondialement connu, Ralph Erskine a passé la plupart de sa carrière en Suède où il est décédé, à l'âge de 91 ans. Il est né en Angleterre où il s'est fait connaitre pour son plan d'urbanisme à Byker in Newcastle-upon-Tyne. Il a travaillé avec l’équipe qui a conçu Welwyn Garden City sous la direction de Louis de Soissons. Il étudia ainsi l’urbanisme et cet intérêt élargit sa vision de l’architecture, en particulier celle relative à l’intégration sociale et physique des édifices avec leur environnement.

Avant la deuxième guerre mondiale, Erskine quitta l’Angleterre pour aller en Suède. Il a été attiré, en partie, par l’admiration qu’il vouait pour l’œuvre des fonctionnalistes suédois Gunnar Asplund, Sven Markelius et Sigurd Lewerentz et en partie pour l’adoption de ce pays au modèle social d’état providence. Son apport ainsi va être très important pour le paysage architectural de son pays d’adoption, la Suède et son pays d’origine l’Angleterre. Dans ces pays et au Canada, il concevra de nombreux bâtiments originaux qui reflètent son idéologie particulière. Ralph Erskine croyait en la possibilité d'une société juste et égalitaire et il s'est battu, sans compromis, pour le développement de la dimension sociale et politique de la construction environnementale.

Construite en 1992, l'Arche (the ARK), d'après le site Galinsky, (http://www.galinsky.com/buildings/ark/index.htm), est une oeuvre métaphorique dont le destin est tragique. Cette oeuvre destinée à des sociétés du tertiaire est vide actuellement : depuis que le premier occupant, Seagram, a quitté le bâtiment, aucun autre organisme n'y a emménagé, c'est un concept de bureau lumineux mais inadapté au monde réel. Les parties communes et les circulations sont admirables mais en terme d'usage standard (conventionnel) de bureau, extraordinairement peu opérationnelles. A l'intérieur, les grands espaces ouverts sur le ciel, l'atrium qui s'élance du rez-de-chaussée à la toiture, les ascenseurs panoramiques et les murs blancs forment un dramatique contraste avec l'enveloppe sombre et même avec le design de la plupart des espaces de bureau.

The Ark Talgarth Road London United Kingdom 1992

Pour visiter l'intérieur, consultez l'annuaire des Journées "portes ouvertes" à Londres qui ont lieu le dernier week-end de septembre. (www.londonopenhouse.org).

Jean Prouvé

2006-06-06T05:54:00.000+01:00

Jean Prouvé-n'était pas seulement un architecte, un ingénieur ou un technicien; s'il était un peu tout cela, il se voulait avant tout constructeur. Fils de l'artiste lorrain Victor Prouvé, petit-fils de Gengoult Prouvé qui travaillait dans les industries d'art, Jean est né à Paris en 1901, mais passa sa jeunesse à Nancy. Son père était un artiste au sens le plus complet du terme, un des fondateurs de l'École de Nancy, créateur de l'école des Beaux-Arts de cette ville.
Jean Prouvé, c'est aussi l'homme qui, suivant la tradition familiale se voulait "ouvrier" au sens le plus noble du terme, c'est-à-dire en relation directe avec la matière. Forgeron, serrurier, ferronnier d'art, il est passé de la forge et l'enclume à l'intimité avec la matière métallique, puis à la production industrielle.
En 1929, il créé "Les Ateliers Jean Prouvé". Il ouvre après guerre sa propre usine, entreprise dont Pechiney deviendra l’actionnaire majoritaire en 1953.
En 2007, pour son nouvel accrochage, le Musée national d'art moderne a consacré une salle du cinquième étage à Jean Prouvé. On pouvait y admirer maquettes, meubles et croquis et la Maison tropicale de 1951, installée sur la terrasse sud.
La grande idée de Prouvé a en effet longtemps été de produire du « prêt-à-habiter », logements en métal fabriqués en série comme des voitures. Après la Seconde Guerre mondiale, il a ainsi conçu des maisons en kit, peu chères et rapides à installer. Une version de cet habitat était alors spécialement adaptée aux colonies et trois prototypes avaient pris la direction de l'Afrique pour être montés à Brazzaville et Niamey.
Le musée Beaubourg, a toujours entretenu un lien fort avec Jean Prouvé.

En 1954, il reprend son indépendance, crée un atelier de design à Paris et construit sa maison sur les hauteurs de Nancy. Un peu plus tard, il fonde "Les Constructions J.Prouvé.
Commandé par l'Aluminium Français à l'occasion du centenaire de l'aluminium, "le pavillon de l'aluminium" a été conçu par Jean Prouvé à Paris en 1954 pour abriter une usine de fabrication de l'aluminium.
Le cabinet Franklin Azzi Architecture qui l'a reconstruit à l'identique nous en donne une description très précise :"le bâtiment comportait cent quatorze fermes de charpente métallique et possédait une couverture de "tuiles" en feuille d'alliage fin. Les façades étaient formées de panneaux de glaces ou de tôles d'aluminium. En 1999, le pavillon est remonté dans le parc des expositions de Villepinte près de Paris. Après restauration, un nouvel édifice de 90 m de long est reconstitué à partir de toutes les pièces disponibles. Cette dernière reconstruction vérifie les qualités constructives de cette architecture "mobile". Le mode de conception instauré par Jean Prouvé nous a permis de remonter la structure dans un délai court (2 mois)".

Dans le domaine du mobilier, ses créations sont marquées par une esthétique industrielle de constructeur qui lui est propre. Ce chercheur n’a eu de cesse d’étudier les possibilités offertes par les matériaux comme l’acier, la tôle et l’aluminium.

1930, fauteuil créé pour la Cité universitaire de Nancy : piètement en tôle d’acier pliée.

La chaise standard, fabriquée en grande série, fait partie de l'exposition de l'oeuvre de Jean Prouvé au MoMA de New York qui court jusqu'au 30 mars 2009.

La fin de la carrière de Prouvé est marquée par l'expérimentation de nouvelles matières ou de composants ainsi que par plusieurs projets trop audacieux pour être réalisés, mais qui apportent à son œuvre une dimension urbanistique (siège du Ministère de l'Education Nationale, avec Belmont et Swetchine, 1970 ; station d'Arc 2 000, avec Hayama et Binotto, 1970).

LIEN : Monsieur Design: Jean Prouvé : Pavillon démontable, 1944-45

Façade Nord, bardage acier

2005-05-05T12:18:00.000+01:00

La façade est recouverte partiellement de bardage acier (l'autre partie de la façade n'est pas sur la photo). Cette partie de la maison est construite en bois

Organisation de l'espace

2005-05-05T11:30:00.000+01:00

L'espace est ouvert, les meubles sont construits en placo-plâtre et délimitent des espaces-fonctions sans fermeture.
La fenêtre de la chambre qui est prolongée par la salle de bain éclaire l'ensemble de même que l'imense fenêtre côté bureau.

Un voile côté baignoire et un panneau en coton blanc côté bureau, filtrent la lumière.

La cuisine est en partie cachée par un bar construit en placo-plâtre et se situe dans le prolongement du grand placard blanc qui renferme vaisselle et linge de maison.

Déco

2005-05-05T11:10:00.000+01:00

...à maison d'architecture contemporaine, déco intérieure contemporaine...si le budget le permet ! en l'occurence, une reproduction d'un fauteuil "Saarinen", des années 50... J'aime fouiner chez les brocanteurs autant que pousser la porte des magasins de déco...
Quand je trouve une vieille étiquette au dos de l'objet convoité, c'est le bonheur. Ce fut le cas pour ce tabouret "siège de tracteur" produit par "Mirima" dans les années 60.
Les vieux livres avec photos en noir et blanc, trouvés chez les bouquinistes, peuvent devenir des objets de déco, posés sur un canapé ou accrochés. Mais surtout, ils s'empilent et forment des parterres à même le sol, on y puise des pensées qui donnent des envies d'autres livres et d'autres rencontres.

Chambre indépendante

2005-05-05T10:38:00.000+01:00

Cette pièce a été conçue pour accueillir des personnes de passage, des amis ou amis d'amis, pour une étape de courte durée (une ou deux nuits ou un peu plus selon le cas). La chambre, de petite dimension, posséde une ouverture sur la rue et est équipée d'une salle de douche et toilettes attenantes. Son style différe, par sa tonalité, de la pièce à vivre. La penderie est un modèle du designer Starck commercialisé par le grand commerce.
L'idée de partage est à l'origine de cette création, moi-même
ayant été hébergée par des amis de façon temporaire quand j'en ai eu besoin...

Fenêtre du bureau et baie vitrée

2005-05-05T10:16:00.000+01:00

Organiques

2005-05-05T10:10:00.011+01:00

Mosaïque jardin et façade sud

2004-04-04T14:20:00.000+01:00

Le jardin est bordé d'un long mur de 3,m50 de haut qui sépare la maison des ateliers d'un lycée professionnel ; ce mur fait un coupe vent très efficace, il crée un micro-climat particulier. Il absorbe dans la journée le rayonnement solaire et a tendance à restituer dans la soirée les calories accumulées le jour. Ce phénomène vient compenser l'effet négatif de l'ombre.

Ma maison bio-climatique à Gelos

2003-03-03T21:59:00.001+01:00

Cette maison a été conçue par Véronique Estavoyer, architecte E.N.S.A.I.S., dont le cabinet est installé à Ger, en Pyrénées Atlantiques, depuis 2005.
C'est une maison de conception bio-climatique ; elle est orientée sud, elle est construite en briques mono-mur, la baie vitrée laisse entrer l'hiver le soleil dans une grande partie de la maison, le chauffage est obtenu par un poêle à bois à haut rendement, le vitrage est double, les combles bien isolées, etc... La conception intérieure s'apparente à un loft, seule une chambre est fermée ; le reste des 90 m² est ouvert, structuré par des blocs construits en placo-plâtre qui ont différentes fonctions. Ils délimitent les différents volumes sans les fermer, la lumière circule partout.
Les rayons du soleil d'hiver chauffent la maison en hiver à travers les baies vitrées. En été, les avancées du toit empêchent les rayons du soleil estival de darder directement sur les vitres... (le soleil offre 400 W par m2 de vitrage bien orienté). Je n'ai pas investi dans des panneaux solaires, l'architecte a simplement utilisé le solaire passif, le contrôle de la ventilation, l’optimisation des surfaces bâties, la récupération de l’eau de pluie. L'esthétique de la maison a été pensée en même temps que les considérations sur le bio-climatique.
La porte d'entrée est vitrée, le vestiare (peint en rouge) et le bar (peint en gris) séparent la cuisine (peinte en blanc et gris) de la pièce à vivre.
Les articles suivants présentent les autres parties de la maison et la décoration intérieure.
Téléphone de Véronique Estavoyer : 05 62 31 43 48

Nouveaux articles

2002-02-02T20:12:00.003+01:00

Les articles plus récents apparaissent en fin de blog :
Ils concernent les architectes et designers suivants : Lacaton et Vassal, Pierre Marsan, Françoise Jourda, Ralph Erskine, Jean Prouvé, Alvar Aalto, Pierre Paulin, Ray et Charles Eames, Eero Saarinen, Charlotte Perriand, Sori Yanagi, Isamu Noguchi, Tadao Ando, Tony Garnier, Gae Aulenti, Jean Nouvel, Shigeru Ban juste avant Jean Nouvel...
Un dernier article présente des exemples de l'architecture à Ouagadougou, capitale du Burkina Faso, où je suis allée au mois de mars ; cet article est développé dans le blog qui présente mon carnet de ce voyage, http://marouteauburkinafaso.blogspot.com

Le blog et ses articles : contenu et organisation

2001-01-01T09:41:00.010+01:00

Ce blog présente les architectes et designers qui ont influencé la formation de mon goût et mes choix. Ils se sont affirmés au moment de la construction de ma maison, il y a 2 ans. Je présenterai dans un prochain article les revues et les sites internet qui continuent à alimenter mon intérêt pour l'architecture, l'urbanisme et le design.
Les archives (liste des articles) apparaissent dans un menu déroulant situé à gauche de la page. En cliquant sur un numéro d'ordre, vous obtenez l'article recherché. Il existe parfois plusieurs articles à un même numéro, vous les trouverez les uns à la suite des autres...
Les articles 2003, 2004 et 2005 présentent ma maison créée par l'architecte Véronique Estavoyer.
Présentation des articles avec leur date d'enregistrement :
Liste des archives du blog
02 : Liste des nouveaux articles situés en fin de blog
03 : Ma maison bioclimatique
04 : Jardin
05 : Façade nord et bardage acier, organisation de l'espace, déco intérieure, la chambre indépendante, baie vitrée, montages photos "Organiques"...
06: série d'articles sur Frank Lloyd Wright (complété le 11/02)), Ralph Erskine (complété le 8/02), Jean Prouvé (complété le 12/02)
07 : Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal, Pierre Marsan
08 : Françoise-Hélène Jourda
09 : Pierre Paulin, Alvar Aalto, Charles et Ray Eames, Eero Saarinen
10 : Charlotte Perriand
11 : Sori Yanaki et Isamu Noguchi, Sou Fujimoto, Tadao Ando ( complété les 8 et 11/02)
12 : Tony Garnier et Môrice Leroux, Gae Aulenti
13 : Jean Nouvel et le Musée du quai Branly
et
SHIGERU BAN
architecture de terre, architecture Kassena
Architecture à OUAGADOUGOU, Burkina Faso
et quleques photos-montages récents...